Entre a natureza e a feminilidade, Juliana Jorge transforma a pintura em um exercício de escuta, onde cada obra floresce a partir de suas experiências.
Por: Luan Vidal
Há artistas que encontram na técnica o ponto de partida para criar. Outros se deixam conduzir pelo acaso. Para Juliana Jorge, o processo acontece justamente no encontro entre esses dois caminhos. Cada pintura nasce diretamente do processo direto da escuta, como se a própria obra revelasse, aos poucos, a direção que deseja seguir.
Embora parte de sua produção seja construída a partir de estudos cuidadosamente elaborados, a criação nunca está completamente determinada; um gesto inesperado, uma nova cor ou uma pincelada podem transformar completamente o percurso da obra. Essa maneira de criar também acompanha a evolução de sua pesquisa visual. O que começou como um exercício de reconexão pessoal, sem grandes intenções estéticas, foi se consolidando como uma espécie de linguagem. Com o auxílio de mentores, ela passou a reconhecer temas que já habitavam seu trabalho desde o início: a natureza e a feminilidade. Hoje, esses elementos formam o núcleo de uma produção que busca materializar experiências íntimas e universais.
Essa investigação ganha uma dimensão ainda mais pessoal em “Semeadura”, obra que nasceu de um momento compartilhado com as filhas. Enquanto as três pintavam juntas, cada uma em sua pequena tela, a artista percebeu naquele instante uma metáfora poderosa sobre a continuidade da vida. As crianças, antes sementes, agora estavam florescendo diante de seus olhos. Na obra, as pequenas formas brancas espalhadas pela composição representam sementes lançadas em solo fértil, entrelaçando os conceitos de natureza e feminilidade. Juliana entende que semear é um gesto que atravessa todas as relações humanas. É preciso cultivar sonhos, afetos, projetos e a si mesmo. Nada florece sem cuidado, por isso, as formas presentes na obra nunca estão estáticas, elas sugerem um fluxo contínuo, refletindo o movimento inevitável da vida.
Essa percepção dialoga diretamente com sua visão sobre a natureza. Para ela, não existe uma separação entre o ser humano e o ambiente natural. Ambos fazem parte do mesmo organismo vivo, submetidos aos mesmos ciclos de crescimento, perda, renovação e renascimento.
A natureza ensina que toda transformação exige tempo e que nenhuma estação é definitiva. Assim como as árvores perdem folhas para florescer novamente, as pessoas também atravessam períodos de recolhimento antes de reencontrar sua força. Essa compreensão atravessa sua pintura e faz com que cada obra funcione como um exercício de extensão da arte para o corpo e do corpo para natureza de volta.
C: Como acontece o seu processo de criação para uma nova obra? Você parte de um conceito ou deixa que a pintura conduza o caminho?
J: Essa é uma questão que não tem uma só resposta, pois meu processo criativo segue diferentes caminhos. Quando uma nova obra faz parte de uma série já em andamento, ela envolve um estudo prévio dos simbolismos e significados que farão parte da pintura. Faço um apanhado de elementos, imagens e referências, desenvolvo esboços, defino uma paleta de cores e parto para a pintura.
Em outros momentos, deixo que meu inconsciente e minhas emoções conduzam o caminho, sem nada previamente definido. Porém, em qualquer um desses processos, a própria pintura também pode me conduzir. Às vezes ela me pede algo, ou uma pincelada inesperada muda o rumo da criação. Meu processo não depende apenas de inspiração, mas de estudo, trabalho e da capacidade de olhar a obra inacabada e entender o que ela pede. É quase uma simbiose.
C: Como sua pesquisa visual evoluiu até chegar à linguagem que apresenta hoje?
J: Comecei a pintar como forma de reconexão comigo mesma. No início, me deixava levar pelo acaso, sem uma intenção muito definida. Com o tempo e a orientação de dois mentores fundamentais nesse percurso, a artista Aline Lopes e o artista e professor Gustavo Dias, comecei a perceber padrões que já estavam presentes no meu trabalho: os elementos da natureza, a psique e a feminilidade.
Esses elementos apareciam repetidamente, como uma linguagem que já existia em mim e só precisava ser reconhecida. O que se vê nas minhas pinturas hoje é aquilo que me representa e o que eu sou como mulher. Minha pesquisa deixou de ser sobre encontrar uma estética e passou a ser sobre materializar o que sempre esteve em mim.
C: Em que momento “Semeadura” começou a existir para você: na ideia, na emoção ou na matéria?
J: Semeadura surgiu de um momento muito simbólico. Sou mãe de três filhos, e as minhas filhas adoram pintar comigo. No dia em que pintei a obra, estávamos nós três na mesma bancada, cada uma com sua tela. Aquele era o nosso momento de conexão e pensei: por que não materializar isso?
A partir dessa experiência, dei forma ao ciclo invisível da vida, onde tudo brota, cresce e se transforma. As pequenas formas brancas representam sementes lançadas no solo fértil da existência, enquanto as tonalidades terrosas e os traços livres sugerem o movimento da natureza. Para mim, Semeadura é um convite ao cultivo do que realmente importa: a beleza que brota do cuidado, da paciência e da esperança.
C: A natureza é uma presença constante no seu trabalho. O que ela continua lhe ensinando como artista?
J: Esse fluxo representa o ciclo invisível da vida, tudo que brota, cresce e se transforma. E esse movimento não é só sobre a maternidade, mas sobre todas as áreas da nossa vida. Precisamos semear nos relacionamentos, nos sonhos, no trabalho e em nós mesmos. Nada floresce do nada; tudo exige cuidado e tempo. A natureza nos mostra que o movimento é a própria condição da vida. As formas em Semeadura estão em fluxo constante porque é assim que enxergo a existência: um processo contínuo em que plantamos, colhemos, soltamos e recomeçamos. Estamos todos dentro desse mesmo ciclo.
C: Em “Semeadura”, as formas parecem estar em constante movimento. O que esse fluxo representa para você?
J: Desde criança acredito que ser humano e natureza são uma coisa só, que existe algo que flui de um para o outro. Não vejo essa separação entre o humano e o natural. Por isso, pintar a natureza é, de certa forma, pintar a mim mesma.
Ela me ensina sobre os ciclos: que existe tempo para florescer e tempo para recolher, e que a transformação não é uma falha no processo, mas o próprio processo. Também me lembra que tudo está interligado: a psique, o corpo, o feminino e a terra. Talvez seja por isso que esses elementos aparecem juntos na minha obra. A natureza não me ensina apenas o que pintar, mas uma forma de existir, e é isso que quero levar para as pessoas através da minha arte.
